Базовые понятия современной моды

Современная мода — сложное явление, к тому же она давно уже выработала свой собственный язык, без овладения которым вряд ли возможно найти свой путь в мире одежды.

 

 

Высокая мода (Haute couture)

Английские портные всегда точно знали, кому и как следует одеваться. Не был исключением из этого правила и Чарльз Фредерик Ворт, когда в 1846 году двадцатилетним юношей ступил на французскую землю. Достаточно быстро с помощью музы, невесты, а впоследствии и супруги Мари, с одной стороны, и очаровательной «жертвы моды» и законодательницы стиля Паулины де Меттерних, ближайшей наперсницы императрицы Евгении, с другой, Ворт стал придворным кутюрье Франции, основателем первого в истории Дома высокой моды, создателем устава новой индустрии и абсолютным арбитром в вопросах моды и стиля. Посетить его Дом и сделать заказ без рекомендации было абсолютно невозможно, и оскорбленные герцогини вынуждены были изыскивать пути, чтобы удостоиться чести быть принятыми. Заказать «правильные» модные наряды для празднеств высшего света больше было абсолютно негде. Альтернативы модному Дому Ворта не было.

 

 

Но уже на Парижской выставке 1900 года французскую индустрию высокой моды представляли 15 кутюрье, все они открыли свои дома между 1871 и 1899 годами. Они создавали сезонные коллекции, нанимали манекенщиц и открывали филиалы своих домов в Лондоне и Буэнос-Айресе, одевали актрис, красавиц света и полусвета.

 

Вплоть до окончания Второй мировой войны невозможно было заказать модное платье где-нибудь еще, кроме как только в Париже, в одном из Домов высокой моды. Голливудские звезды, как прежде герцогини, выстраивались в очередь.

 

Вторая мировая война принесла с собой новую волну демократизма в социальной жизни, и институт создания модной одежды также был упрощен. Шитье моделей по индивидуальным меркам клиенток в одном-единственном экземпляре, с использованием 90% ручного труда, из драгоценных тканей, специально созданных, украшенных неповторимой вышивкой или баснословно дорогим кружевом, казалось, не отвечает потребностям современности. Родилась индустрия" pret-a-porter, причем родилась почти одновременно в Нью-Йорке и & Лондоне, Милане, Париже. Но Haute couture осталась исключительно как французский феномен. В середине 70-х она решила быть лабораторией новых идей и постепенно уходила в сторону театральности. Коллекции Дома Диор последних лет XX века дают нам об этом самое исчерпывающее представление: смотреть можно, носить нельзя. Быть просто рекламным слоганом-брендом в телевизионной рекламе туалетной воды индустрия тоже считала ниже своего достоинства.

 

Сейчас Палату профессионального союза высокой моды возглавляет Дидье Грюмбах. Одним из направлений реорганизации высокой моды он считает привлечение в индустрию «свежей крови» — молодых кутюрье и удешевление себестоимости создания моделей. Действительно, если платье стоимостью в 100 000$ купят единицы, то платье в 10 000$ ждет более массовый успех. Возможно, слухи о безвременной кончине высокой моды, муссирующиеся уже в течение по крайней мере последних 40 лет, все же несколько преувеличен - Всегда найдутся люди, готовые заплатить за уникальность и настоящее высочайшее качество. Тяга более широких, чем в прежние века, слоев общества к обладанию эксклюзивом — одна из явно наметившихся тенденций XXI века.

 

 

Прет-а-порте (Pret-d-porter)

Во время Второй мировой войны американцы были оторвались от парижской высокой моды и нашли свой ответ на вопрос:как оставаться можно одетыми?» Они закупали лекала парижских домов и шили по ним малотиражную одежду из более простых тканей с меньшим количеством отделки. Так возникла идея прет-а-порте, что в переводе с французского звучит как «готовая одежда». Малотрражная,но все же достаточно массовая, реализуе-нея крупные Универсальные магазины, а потом и через небольшие фирменные лавки-бутики, созданная в русле моды сезона, но более универсальная, сшитая из качественных тканей, но доступная большому количеству работающей публики — вот «родовые» признаки новой ступеньки в индустрии моды.

 

Сегодня премьеры новых сезонных коллекций проходят сразу в четырех городах — Милане, Париже, Нью-Йорке и Лондоне. Эти Недели прет-а-порте имеют международное значение, так как на них приезжают журналисты моды из всех изданий и закупщики («байеры»). Первые должны подготовить широкую публику к новым веяниям моды и объяснить, как носить новую одежду, на страницах модных изданий. Вторые именно на дефиле должны решить, какие из представленных коллекций стоит закупать для магазинов. В зависимости от количества заказов на каждую модель дизайнеры определяют размер отшиваемой партии и размещают свой заказ на швейной фабрике. Как правило, все фабрики находятся в Италии. Для магазинов коллекционные модели часто адаптируются, то есть становятся более «носибельными». Хотя бывают и модели — символы коллекции, которые часто снимают в журналах, они существуют в одном или нескольких экземплярах и до магазинов могут так и не дойти. Они скорее служат рекламным целям, так как слишком узнаваемы. Их задача — создать ажиотажный спрос на все творения, подписанные именем того или иного дизайнера.

 

 

Конфекция-люкс

Конфекция — это традиционное название для одежды, изготовленной фабричным способом и, в отличие от прет-а-порте, огромным тиражом. Страной конфекции обычно называют Германию — немцы традиционно предпочитают не новинки моды, а Добротную и хорошего качества одежду, которая прослужит Долго. Такой гардероб никогда не привлечет всеобщего внимания, но будет наделять своего владельца уверенностью в себе. Кроме таких потребителей в Германии всегда жили, живут и работают производители конфекционной одежды. Именно здесь в феврале и в августе проходят международные выставки — в Дюссельдорфе, Кельне, Лейпциге.

 

Конфекционная одежда всегда была рассчитана на представителей среднего класса. Цена здесь, как правило, была точным барометром качества. В отличие от прет-а-порте, где потребитель платит большую часть стоимости вещи именно за торговую марку (имя бренда), предполагая за дополнительные деньги купить фрагмент творческой фантазии автора, в мире конфекции все обстоит более прозаично. Но это отнюдь не означает, что конфекционные вещи далеки от моды. Напротив, они последовательно отражают сезонные изменения, только модные тенденции здесь представлены в более мягком виде и значительный процент коллекций составляют вещи «базовой части гардероба.

 

Немного другое явление — конфекция класса «люкс». Са мый яркий представитель на сегодняшний день — немецка фирма Escada. Борьба за высокое качество и отсутствие экс тремизма — ее основные черты. Ориентация на консерватив ную часть среднего класса — политика фирмы. Очень высокий ценовой барьер роднит эту фирму с итальянским и американ ским прет-а-порте. Но конфекция класса «люкс» не гонится за ошеломляющей новизной, а, наоборот, пытается обновить традиционный подход к костюму, поддерживающий буржуазный образ жизни.

 

 

Дизайнерский стиль

Сама идея одежды не как утилитарных покровов и не как одного из способов демонстрации своего богатства, а как единого, несколько театрального образа, рожденного творческим гением художника, возникла в начале XX века. Ее творец — французский кутюрье Поль Пуаре. (Агата Кристи в эти годы посещала Париж, и у нее на слуху осталось имя, которое из уст в уста передавали все парижанки. Спустя несколько лет возник бельгийский сыщик Эркюль Пуаро, который и сейчас весьма актуален, в отличие от своего прототипа.)

 

Поль Пуаре создавал женские наряды под воздействием русского балета, который показал миру Дягилев своими Русскими сезонами. В частности, огромное влияние на него оказал балет «Шахерезада» в оформлении Леона Бакста. Все парижанки решили немедленно превратиться в восточных одалисок: прозрачная одежда, восточная чалма со страусиным пером, томный взгляд. Еще Пуаре сочинял легкие платья с завышенной талией под влиянием античных статуй музея Лувра, и все переодевались в псевдоантичные тоги, переставали носить корсет, и украшали светлые завитые волосы обручами и собирали их в «греческий узел». Все эти идеи были абсолютно не в русле текущей моды, и тем не менее женщины охотно играли в подобный «маскарад».

 

Традицию Пуаре продолжила Эльза Скиапарелли, в 30-е годы «правившая» в Париже вместе с Коко Шанель. Эльза вдохновлялась современным ей течением в живописи под названием «сюрреализм» и дружила с королем эпатажа — Сальвадором Дали. Некоторые свои творения они даже создавали в соавторстве. Эльза сделала абсурд частью повседневной женской жизни. Чего стоят, например, ее шляпки в виде телефона, туфельки-шпильки или лобстера! А пуговицы на вполне классическом жакете в виде цирковых акробатов, а колье в виде елочных украшений? Модные творения продавались в бутиках — кстати, эта форма торговли, тоже придуманная Скиапарелли, имела массу почитательниц. Быть ни на кого не похожей — это дорогого стоит!

 

Современный дизайнерский стиль в женской одежде — это когда вас просят надеть на себя чье-нибудь концептуальное творение, расширяющее наше представление о прекрасном, или наряд, который вполне можно приравнять к театральному костюму. Чаще всего такая одежда может быть вполне комфортабельна, но остаться в ней незамеченной абсолютно невозможно. Считается, что таким образом вам легче выразить свою неординарную индивидуальность. На практике же получается, что вы выражаете неординарную индивидуальность дизайнера, создавшего ваш наряд. Прекрасно, если ваши взгляды на жизнь совпадают.

 

Наряду с подобным течением прет-а-порте сейчас модно и другое направление, скорее всего, более перспективное. Его можно окрестить как «сам себе дизайнер». Суть этого метода заключается в том, что вы из имеющихся у вас под рукой творений разноплановых модельеров создаете ни на что не похожий микс — ваш неповторимый облик. Здесь шифон может сочетаться с грубым трикотажем, а желтый цвет с красным просто потому, что у вас сегодня такое настроение. Автором этого подхода к прет-а-порте была основательница журнала «ELLE» Елена Лазарефф. В конце 40-х годов она открыла то, что позднее назвала «стилизмом», то есть создание новых образов из имеющейся в магазине одежды. В стилизме вы — соавтор дизайнера, доработчик его идей. Этот подход оказался наиболее плодотворным именно для журналистики, посвященной моде. Благодаря ему появилась такая форма рекламирования модных коллекций на страницах журналов, как «fashion history»: связная фотоистория, где героиня все время переодевается в различный микс из дизайнерской одежды. Все, что вы должны сделать, — это следовать ей, сначала купив журнал, а затем и одежду, рекламируемую в нем. Но чтобы стать самому себе стилистом, необходимо обладать профессиональным чутьем на моду и иметь безупречный вкус — только тогда плоды вашего творческого эксперимента вас украсят.

 

 

Уличная мода

Уличная мода возникла в качестве силы, с которой стала считаться мода профессиональная, в конце 50 — начале 60-х годов, и связана она прежде всего с молодежным движением и молодежным стилем. Так уж сложилось, что у молодых людей от 15 до 20 лет всю первую половину XX века не было «своей» одежды, да и самого класса «молодежи» с отличным от «взрослого» населения образом жизни тоже не было. («Что такое молодежь? — вопрошала Шанель в 60-х. — В мое время молодежи не было!») Все стремительно изменилось в бурлящие 60-е: молодежь завела себе музыку, образ жизни и, конечно же, одежду. Так и возник уличный стиль — в качестве порыва вдохновения юных создателей. Одежда для него использовалась двух видов: ультрамодная и дешевая. Джинсы, майки, брюки-ка-при, трикотажные джемперы, мини-юбки, ковбойки — все перемешивалось для большей выразительности. Эти наряды были до того образными, что вдохновляли профессиональных дизайнеров одежды. Центром молодежной, уличной моды стал Лондон. Впоследствии каждое из многочисленных молодежных течений создало свой дресс-код: рокеры, хиппи, панки, яппи, рэ-перы...

 

Сегодня уличная мода — огромный сегмент рынка профессиональной одежды. Большое количество специальных конфекционных фирм создают молодежную моду — это могут быть как фирмы джинсовой одежды (например, итальянская Diesel), так и фирмы недорогой конфекции (итальянская же Benetton). Молодежная одежда по определению никогда не была качественной — в ней главенствует стремление создать «горячие», в тенденциях сезона, яркие, веселые и остроумные, с юмористическим налетом вещи. Фирмы, производящие уличную моду, делают мини-коллекции к каждому времени года. Для них главная задача — склонить юное население к очень частым покупкам и постоянному обновлению гардероба. Производители прежних десятилетий были традиционно ориентированы на очень молодых покупателей — считалось, что люди в период обучения, от 15 до 22 лет, тратят на одежду очень много родительских денег.

 

 

И только в последние годы этот незыблемый постулат успешной коммерции был подвергнут сомнению. Интерес производителей переместился на людей «условно тридцатилетних» — это молодые профессионалы, «рабочая молодежь», «белые воротнички», завершившие свое первичное образование, заинтересованные в карьерном и социальном росте, которые большое значение придают «правильной» одежде. К тому же у них гораздо больше денег, чем у учащейся молодежи. Это относится как к мужской, так и к женской одежде. Примером подобной переориентации может служить новая политика французской фирмы Naf Naf. Даже само название, по имени находчивой свинки, говорит о том, что фирма сначала ориентировалась на юных, теперь же основной своей героиней она видит повзрослевшую работающую клиентку. Поэтому и ассортимент производимой одежды меняется.

 

Уличная мода никогда не имела ничего общего с элегантностью. Собственно, она своим приходом и разрушила основы классической элегантности, бывшие незыблемым правилом в женской одежде. Уличная мода — это скорее пространство игры, что не исключает известной доли комфорта. Безусловно, это мода, ориентированная вовне, нацеленная на повышенную социальную контактность, так свойственную молодым.

 

 

Элегантность

Понятие элегантности относится к базовым понятиям моды как явления. Оно настолько же трудно определимо, насколько важно. Наверно, легче понять его через противоположность — понятие «вульгарности». Отсюда возникает исторический корень элегантности — «женщина из общества должна выглядеть элегантной». В контексте одежды второй половины XIX века, когда, собственно, и возникла профессиональная мода, термин «элегантность» был синонимом уместности, правильности наряда дамы для различных случаев светской жизни. В XX веке правила постепенно ослабевают, за исключением особенных ситуаций, связанных с протоколом. И элегантность начинает выступать критерием «качества» того или иного ансамбля одежды. В словаре «Робер» элегантность определяется как совершенство, достигаемое сплавом изящества и простоты. Элегантность— ориентир, который позволяет выглядеть наилучшим образом, избежать налета неуместности или вульгарности. Идея элегантности неизменна, но проявления — многообразны.

 

До 50-х годов XX века с ориентиром было более или менее ясно. Элегантный образ находился в достаточно сильной зависимости от диктата моды. Обязательной была дорогая укладка, ансамблевость в аксессуарах — туфельки должны были идеально сочетаться со шляпкой, перчатками и сумочкой. Существовали эталоны элегантности — элегантность от французских модельеров Мадлен Вионнэ — в 30-е годы, Кристобаля Бален-сиаги — в 40-е годы и Кристиана Диора — в 50-е, Юбера де Живанши на переломе 50-х и 60-х. Элегантность — тот бог, которому молилась французская профессиональная мода, это ее ноу-хау.

 

В 60-е годы все стремительно изменилось, и главным образом изменилось отношение к элегантности. В центре моды ставится образ юной девушки, а не дамы из общества. Впервые престижность связывают с возрастным цензом, а не с имущественным.

 

Голливудская звезда Одри Хепберн в соавторстве с французским модельером Юбером де Живанши изобретают «новую элегантность». Она помолодевшая, несколько задорная, немного неправильная, и в ней нет места занудной ансамблевости. Фильмы Одри Хепберн 60-х годов, такие, как «Завтрак у Тиф-фани», «Шарада» и «Как украсть миллион», дают нам совершенные образцы подобного подхода.

 

Другой провозвестницей новой элегантности была Джеки Кеннеди, супруга трагически погибшего американского президента Джона Кеннеди. Ее стиль прежде всего 60-х годов, времен первой леди, соединяет в себе шик простоты и «правильности», идеальной уместности. И впоследствии, в 70—80-е годы, она являла собой безупречный эталон стиля.

 

Современное понятие элегантности связано с понятием «индивидуального шика» и «внемодности». У французов есть очень четко разграниченные понятия «а la mode», что значит модный, «demode» — немодный и «hors mode» — внемодный. Одеваться «внемодно» — это значит найти свой стиль и придерживаться его, выбирая только вещи абсолютного качества, следя за модой, но не будучи ее рабой, выбирая из новых предложений то, что соответствует индивидуальному стилю. В сегодняшней элегантности есть нечто, что можно определить английским словом «sophistication» — некоторая интеллектуальность, сложность. Современная элегантность строго придерживается стиля минимализма, твердо веря, что меньше — это почти всегда лучше. На другом полюсе маячит все та же вульгарность, в которую весьма легко впасть, изменяясь вместе с модой каждый сезон.

 

Современных образцов элегантности не так много. Американский дизайнер Каролина Эрера, Катрин Денев — элегантность мало зависит от возраста. Такова Кароль Буке — бессменное лицо косметической фирмы Chanel, женщина, обладающая классической красотой. Элегантность неизменно демонстрируют Кейт Бланшетт и Анжелина Джоли, а также Шарлиз Терон — хотя для голливудских актрис элегантность — профессиональная необходимость. Как и для топ-моделей. И тем отрадней феномен Натальи Водяновой, хотя сегодня ее стиль — это стать истинной леди.

 

 

Шик

В русском языке понятие «шикарность» имеет оттенок чего-то слегка вульгарного. Поэтому поговорим о шикарности во французском стиле. В этой языковой системе это понятие — родная сестра элегантности, но если элегантность особенно часто ассоциируется с умением одеваться уместно, то шикарность — с индивидуальным стилем, «изюминкой» в облике женщины.

 

Итак, что же значит быть шикарной?

 

«Понятие шика неотделимо от проявления дерзости, — утверждает Доменик Морлотти, дизайнер одежды, — здесь непременно присутствует пикантность, «перчинка», налет игривости — так, чтобы весь наряд не воспринимался слишком всерьез». Но при этом любое излишество все же несовместимо с подлинным шиком. Быть шикарной не означает также, что надо полностью вписаться в образную структуру известного кутюрье. На первое место выходит умение создать свой стиль из произведений чужого дизайнерского гения.

Неподражаемый личный стиль — не единственная основа шикарности. Иногда можно просто удачно «вжиться в роль». Создательница моды Палома Пикассо в чем-то скопировала и при этом модернизировала облик легендарной Коко Шанель, приправив его большой долей присущего ей самой артистизма. Также на «роль» Шанель Карл Лагерфельд когда-то взял Инее де ла Фрессанж. Она впоследствии создала свой неповторимый стиль — мальчишеский и хрупко-незащищенный одновременно. Но от безудержного артистизма во внешнем облике шикарность отделяет все же тонкая грань подлинной роскоши и все той же простоты.

 

 

Жертвы моды

Как следует из определения, «жертвы моды» —это женщины, увлеченные модой не в меру, смелые творцы и экспериментаторы в области собственного внешнего вида. Это понятие отнюдь не противоположно понятию «элегантность», оно скорее описывает другой подход в формировании собственного идеального гардероба. Если элегантность строго отбирает подходящие наряды, сообразуясь с принципом «меньше, да лучше», подход «жертв моды» можно определить девизом «чем больше, тем лучше». Наиболее серьезный процент людей, придерживающихся подобного подхода, наблюдается среди профессионалов, работающих в индустрии моды, а также у поп-див любого возраста.

 

Ко второй группе относятся «хиппи», то есть те, кто одевается экстравагантно. Всем своим видом они заявляют о своей причастности к чему-то нетрадиционному: частенько можно видеть женщин, одетых в легкое шифоновое платье и в туфлях на широких и толстых каблуках. В этом случае смешивается все сочетается, казалось бы, несочетаемое. Будучи поклонниками какого-то своего шика, «хиппи» беззаботно сваливают все в одну кучу, эпатируя публику и стараясь выглядеть непохожими на других, и при этом они чувствуют себя свободно.

 

Классическим примером жертв моды можно назвать двух профессиональных муз дизайнеров одежды — это Анна Пьяжи бывшая супруга Карла Лагерфельда, и Изабелла Блоу. Их суперэкстравагантный стиль напоминает театральный костюм и всегда будит воображение.

 

У британцев, безусловно, особый талант в области создания стиля — их традиционность уживается с крайним экстремизмом Пример подобного подхода и одна из великих «жерв моды» — английский модельер Вивьен Вествуд.

 

 

 

Авторизация



Сейчас на сайте

Сейчас 77 гостей онлайн

Полезное...

...